Projecte amb l’alumnat de l’EADT
Amb ulls d’estudiant és una col·laboració entre el Museu d’Art Modern de la Diputació de Tarragona i l’alumnat de l’assignatura Història de les Arts Contemporànies del 2n curs del CFGS Arts al Mur de l’Escola d’Art i Disseny de la Diputació de Tarragona i sota la coordinació del professor d’Història de l’Art, Francesc Perramon.
Aquest projecte sorgeix de la necessitat de dotar a l’alumnat d’eines i estratègies per a l’anàlisi d’obres d’art a partir de l’observació directa.
Partint d’una visita i una aproximació a la col·lecció permanent del MAMT l’alumnat selecciona unes obres específiques i sobre elles, de manera individual o en grup, elaboren un anàlisi formal de l’obra i profunditzen en l’autor i l’estil.
Aquests anàlisis són sotmesos a una posada en comú a l’aula entre l’alumnat i el professorat, corregits i modificats fins arribar a uns comentaris sobre les obres que adquireixen un caràcter gairebé professional.
En aquest espai podreu gaudir de l’anàlisi que els alumnes han realitzat sobre quatre obres de la col·lecció del MAMT i que us convidem a descobrir “amb ulls d’estudiant”.
Antoni Torres Fuster (1874-1945)
Paisatge
Oli sobre tela
19,5 × 43 cm
NIG 1099
Un paisatge pot viure? Pot transmetre tranquil·litat? Antoni Torres ens planteja aquestes i altres qüestions en aquest quadre. L’obra d’aquest pintor es va centrar en la quotidianitat, especialment en relació amb el paisatge, i també en l’estudi del cos humà.
En aquesta pintura, hi resulta característic l’ús de poc pigment, que crea una sensació de delicadesa. Les pinzellades vibrants recorden Claude Monet. Les similituds als paisatges i cels de Velázquez també són evidents, ja sigui per la gamma cromàtica amb tons opacs o pel tractament de la natura en si mateixa.
Recorrent al mètode de pintar en plein air (directament davant el paisatge), l’artista plasma la realitat en la seva màxima expressió i busca versemblança. Així i tot, s’observa un esbossat subtil que ens parla també de l’observació per part del pintor.
Detinguem-nos en la part inferior de l’obra, és a dir, en la gespa més clara. Està usant la tècnica del grattage rascar la pintura amb el mateix pinzell o una espàtula per extreure el pigment del quadre. Manté la tensió entre l’observació de la natura i la seva interpretació a través de recursos estrictament pictòrics.
En definitiva, és una obra que ens evoca clarament l’impressionisme i els seus paisatges, amb un estudi clar d’esbós. Tot i així, no deixa de plasmar la natura pròpia del paisatge.
Laia Biosca (estudiant de l’Escola d’Art i Disseny de Tarragona)
Ignasi Mallol (1892-1940)
Marina
Oli sobre tela
60 × 75 cm
NIG 1161
Qui és Ignasi Mallol? Ignasi Mallol (1892-1940) va ser un pintor tarragoní i director de l’Escola Taller d’Art d’aquesta ciutat durant la Segona República. Va destacar per la seva gran apreciació i vincle amb la seva terra, tal com es pot observar en la seva pintura de paisatges del litoral marítim. Durant la Guerra Civil, Mallol va jugar un paper important en la protecció del museu i la biblioteca del Seminari de Barcelona. Després, va haver d'exiliar-se a Colòmbia, on va morir l’any 1940.
En aquesta obra, ens hi mostra una escena marítima on podem veure el fort vincle i apreciació per la seva terra. L’artista retrata els diferents paisatges sense representar cap mena de personatge, de manera que dona tota la importància a la natura.
Observem un estudi de la llum mitjançant el color. Empra blaus i liles per a les ombres i grocs i taronges per a la llum. La pinzellada es veu com a taques expressives de pintura que donen forma sense necessitat de línies. La seva pinzellada expressiva aconsegueix evocar les transparències de l’aigua.
Quan veiem l’obra de Mallol, s’hi nota una relació clara amb els impressionistes com Sorolla i Guillaumin. No només es veu en la manera com fragmenten els colors i la importància que donen a la llum, sinó que també la podem distingir en la temàtica, ja que són paisatgistes centrats en el litoral mediterrani.
Les seves obres estan influenciades per la fotografia, que condiciona la seva forma d’observar la natura. Igual que en molts enquadraments fotogràfics, aquesta pintura talla barques i muntanyes.
Ignasi Mallol és un impressionista tarragoní de gran importància que va aconseguir capturar l’essència de la natura i la llum de la seva terra natal, a través d’una obra plena de vida i expressió.
Isabel Montes / Max Moreno (estudiants de l’Escola d’Art i Disseny de Tarragona)
Daniel Argimon (1929-1996)
Cruïlla , 1994
Tela, óleo y collage sobre tela
163 × 130 cm
NIG 2643
¿Qué tiene de especial la materia? ¿Por qué tenerla presente en la pintura?
Daniel Argimon tenía muy clara la respuesta a ambas preguntas. Siendo un gran maestro en cuanto a la experimentación y realización de cuadros con gran carga matérica, jugó con las texturas y las posibilidades artísticas del collage. Desarrolló un lenguaje abstracto propio y a la vez con unos rasgos informalistas muy evidentes.
Pintor procedente de Barcelona, estudió en la Facultad de Bellas Artes de su ciudad natal, donde llegó a ser docente también.
En su obra Cruïlla, se pueden observar perfectamente sus rasgos más característicos como, por ejemplo, la utilización de la materia como obra plástica. Esto se puede ver reflejado en la acumulación de esta en la parte superior de la obra y en los tres caminos que le siguen. Otra característica muy destacable de Argimon sería la implementación del collage, el cual se puede apreciar en la esquina inferior derecha del cuadro. El resto de la obra es acompañado por un fondo lleno de texturas y expresión, donde el artista juega con los tonos azulados mezclados con el blanco y el negro, lo que da personalidad a la obra.
La pintura está presentada en un formato vertical y con una gama cromática reducida, como hemos comentado anteriormente. Se centra en la experimentación con el negro, el blanco y el azul. Este último nos podría recordar a los cuadros de Yves Klein. También nos puede evocar la obra de Jackson Pollock por los movimientos tan expresivos que desprende el fondo utilizado en la obra.
Argimon nos demuestra su notable preferencia por lo matérico, lo experimental y el control que posee en este ámbito. Nos presenta una pieza muy reflexiva e intrigante, la cual tiene una lectura completamente diferente para cada lector.
Miriam Sapiña / Harewa Montano (estudiantes de la Escola d’Art i Disseny de Tarragona)
Autora: Ana Sánchez (1964-)
Título: Sin título (2002)
Técnica mixta sobre madera
125 × 182 cm
NIG 3770
Los artistas cada vez tenemos más recursos con los que podemos crear obras de diferentes estilos utilizando infinidad de técnicas. Muchos de estos artistas elaboran sus obras fusionando las técnicas que se han ido perfeccionando durante los años. Una de estas artistas contemporáneas es Ana Sánchez y su trabajo a través del fotomontaje.
Ana Sánchez nació en Salamanca en el año 1964. Estudió en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Complutense de Madrid. Sánchez ha realizado una gran cantidad de exposiciones tanto individuales como colectivas, de ámbito nacional e internacional.
También ha recibido diferentes premios y becas de reconocido prestigio que han dado apoyo a su trayectoria artística.
La obra presentada es un fotomontaje impreso sobre un soporte rectangular. En él aparecen un conjunto de manos, las cuales siguen un mismo sentido creando una forma que establece el punto de atención en el cuadro, aunque no hay espacios vacíos. Predominan los colores ocres, amarillos y tonalidades marrones y anaranjadas. Las manos están colocadas de manera que se pueden ver o bien la palma o bien el dorso. Por el modo de estar agrupadas, los colores comentados y la falta de espacios, resulta fácil relacionarlo con la propia vida humana de diferentes maneras. Nos puede sugerir como fluye nuestra sociedad al ver ese conjunto de manos siguiendo un mismo patrón y sentido. También nos puede evocar un sentimiento de muerte, ya que los colores utilizados se podrían asociar a los cadáveres.
El fotomontaje que centra esta obra es una técnica de larga tradición en el arte contemporáneo. Irrumpió con fuerza ya en el dadaísmo, durante el periodo de las vanguardias.
Al observar la obra de Ana Sánchez, podemos llegar a intuir algunos de sus referentes y encontrar similitudes con otros artistas que han podido llegar a inspirarla indirectamente. Algunos de estos artistas serían Van Gogh y su cuadro La noche estrellada, cuya similitud en cuanto a forma es innegable, ya que las dos obras siguen un patrón que recuerda a la espiral dorada. También nos puede recordar a las instalaciones de Christian Boltanski por su uso del color amarillo y la acumulación infinita de imágenes de personas anónimas. O bien a Jackson Pollock por su estilo abstracto, densidad y ocupación del espacio.
Ana Sánchez es una artista que ha agrupado sus influencias y las ha llevado al terreno del arte contemporáneo de los 2000, en el que ha utilizado los recursos avanzados, como la fotografía y el collage, para hacer una fusión en sus obras. La manera como Ana expone su obra, con el uso del fotomontaje de numerosas fotografías, muestra una imagen densa, rítmica y abstracta, lo cual hace que el significado de la obra o el sentimiento que genera no esté establecido y nazca del propio espectador.